5 Fragen an James White
In einer Zeit, in der Bilder in einer neuen Schnelligkeit betrachtet werden und zunehmend die Sprache als Ausdruckmittel ersetzen, ermuntert uns James White zur Entschleunigung. In diesem Interview stellt er sich fünf Fragen zu seinem Werk in der Marta-Ausstellung „Trügerische Bilder“.
Nahezu perfekt imitierst Du in Deiner Malerei eine fotografische Oberfläche. Wie siehst Du dabei das Verhältnis zwischen Realität und Illusion?
Es gibt keinen absichtlichen Versuch, die Oberfläche eines Fotos nachzuahmen. Die Oberflächen der Bilder sind relativ glatt, einfach weil ich nicht viel Farbe verwende und weil ich mich dafür entschieden habe, nicht auf Leinwand zu arbeiten. Ich ändere gerne das Plattenmaterial, an dem ich arbeite, und lasse häufig Bereiche aus Sperrholz, Acryl oder Aluminium frei, abhängig von einer intuitiven formalen Entscheidung, die ich basierend auf dem Bild treffe. Die Überlagerung verschiedener Materialien und die Offenbarung der Konstruktion des Werks sind sehr wichtig im Hinblick auf seine physische Präsenz, seine Objektivität – die Beziehung des Betrachtenden zu den Rändern ist ebenso wichtig wie zur bemalten Oberfläche. Illusion und Realität stehen sich diametral gegenüber und sind voneinander abhängig. Illusion leiht sich die Realität aus, um uns davon zu überzeugen, dass wir etwas sehen, das wir nicht sehen, und das ist sicherlich nicht mein Ziel.
Deine Malerei basiert auf fotografischen Vorlagen, die Du selbst vorher aufgenommen hast. Was reizt Dich an diesem medialen Transfer?
Der Malprozess dient dazu, dem Moment im Bild eine weitere Zeitschicht hinzuzufügen. Das fokussiert den Blick und verleiht dem Bild hoffentlich eine Intensität, die fehlen würde, wenn es als in Sekundenbruchteilen aufgenommenes Foto verbleiben würde.
Auf den ersten Blick halten viele Deine Malerei für ein Foto. Wie wichtig ist Dir dieser Trugschluss?
Das stellt für mich überhaupt keine Überlegung dar. Ich möchte, dass die Bilder in ihrer Ausführung nicht ausdrucksstark und farblich kompliziert sind und somit auf das Wesentliche reduziert werden. Ich denke, wenn eine Person innerhalb von drei oder vier Metern vom Gemälde entfernt steht, gibt es überhaupt keine Verwirrung. Aufgrund meiner Herangehensweise an die Malerei und der Art der Bilder denke ich, dass meine Arbeit unter der Reproduktion leidet, wenn jemand nicht bereits damit vertraut ist. Das offensichtliche Problem ist die Verkleinerung des Maßstabs, wodurch die Werke viel fotografischer aussehen als sie in der Realität sind und so gibt es keinen Eindruck von der skulpturalen Qualität der Werke und der Körperlichkeit, die für sie so wichtig sind.
Deine Kompositionen greifen das Bildthema des Stilllebens auf, das im 17. Jahrhundert in der niederländischen Malerei seine Blütezeit erlebte. Hast Du konkrete historische Vorbilder?
Ich finde es etwas problematisch, meine Bilder als Stillleben zu bezeichnen, aber ich verstehe, warum Menschen das tun. Ja, meine Bilder enthalten vertraute Haushaltsobjekte in einer intimen räumlichen Umgebung, aber ein traditionelles Stillleben ist eine Anordnung von Dingen, eine konstruierte Szene, in der die Beziehung zwischen Objekten streng choreografiert wird, um eine bestimmte Botschaft zu vermitteln. Ich dokumentiere Dinge so, wie ich sie finde, eher im Einklang mit einem Tatortfotografen oder jemandem, der Fotos für einen Versicherungsanspruch macht. Hoffentlich deuten die übervertrauten und unauffälligen Objekte in meinen Gemälden und die Beziehungen zwischen ihnen auf unterschiedliche externe Erzählungen hin. In gewisser Weise ist das Stillleben hermetisch, luftdicht, es ist Symbolik und Bedeutung vorgegeben. Im Gegensatz dazu zielen meine Bilder darauf ab, offenere Möglichkeiten zu präsentieren, obwohl sie definitiv etwas von dem Memento Mori haben. Obwohl ich die niederländische Stilllebenmalerei des 17. Jahrhunderts sehr schätze, würde ich sagen, dass Mike Mandels und Larry Sultans „Evidence“ oder Stephen Shores Roadtrip-Fotos aus den 70er Jahren ein konkreteres historisches Modell darstellen würden.
Die Abbildung von Oberflächen wie Glas oder Metall und das Spektrum an Reflexionen, die sie schaffen, sind nahezu zu Deinem Markenzeichen geworden. Was reizt Dich daran? Wie findest Du Deine Bildmotive?
Ich bin wahrscheinlich von Materialien angezogen, die reflektieren, da sie sowohl außerhalb als auch innerhalb der Bilder Raumfragmente bieten. Spiegel und Reflexionen können destabilisierend wirken und zur Störung des psychologischen Raums eines Bildes beitragen, was meiner Meinung nach in meinen Gemälden von wesentlicher Bedeutung ist.