5 Fragen an Vittoria Gerardi
Sie konstruiert ihre Bilder in der Dunkelkammer ausgehend von ihren Seherfahrungen und Eindrücken: Vittoria Gerardi, Künstlerin der Marta-Ausstellung „Trügerische Bilder“. In diesem Interview stellt sie sich unseren Fragen.
Du ziehst die analoge Fotografie und Arbeit in der Dunkelkammer der digitalen Fotografie vor. Was reizt Dich daran?
Ein Phänomen, das in der digitalen Fotografie und in der analogen Fotografie nicht greifbar ist: die Latenz. Ich nehme das latente Bild als ein epiphanisches Ereignis wahr, bei dem das Sichtbare direkt aus dem Unsichtbaren hervorgeht. Meine Absicht ist es, mit dieser Erscheinung zu spielen und sie zu formen.
Wie sieht Deine Arbeit in der Dunkelkammer aus – gewährst Du uns einen Einblick in Deine Vorgehensweise?
Ich nähere mich der Fotografie nicht mit einer einzigen Drucktechnik, sondern neige dazu, unterschiedliche Techniken in Bezug auf das Thema Repräsentation zu entwickeln. In meiner Arbeit gibt es jedoch ein Leitmotiv, das meistens die Form einer Linie hat. Dies liegt daran, dass jedes Thema, das ich wähle, eine Beziehung zur Zeit darstellt und unsere ontologische Wahrnehmung davon und die Linie ein Symbol für diese Beziehung ist.
So dachte ich im Projekt „Confine“ über die Wüste nach, in der die Landschaft zur zeitlichen Wahrnehmung des ‚sichtbaren Horizonts‘ wird: der illusorischen Trennung zwischen Erde und Äther, Leben und Tod, Körper und Geist. Die Drucke werden in der Dunkelkammer konstruiert, indem das Fotopapier maskiert wird und die Belichtung des Negativs auf Linien oder ähnliche semantische Formen beschränkt wird. Zusammen mit dieser Prozedur habe ich beschlossen, mit der Zeit der chemischen Entwicklung zu interagieren, um die reinen Schwarz-Weiß-Drucke in Nuancen von Farben zu verwandeln: Farben der Wüste oder des Geistes, die letztendlich Farben der Zeit sind.
So dachte ich auch über die Ruinen von Pompeji im Projekt „Pompeji“ nach: die gleichzeitige Wahrnehmung von Sichtbarem und Unsichtbarem, Vergangenheit und Gegenwart, Verborgenem und Entdecktem. Auf technische Weise wurde dies anders und nicht gänzlich in der Dunkelkammer verfolgt. Ich habe beschlossen, Gips einzuführen – ein Material, das tief mit der Geschichte des Ortes verbunden ist – und damit die Drucke der Negative zu modellieren, die ich in Pompeji aufgenommen habe. Einige Silbergelatineabdrücke sind mit Gipsschichten verhüllt; andere sind in Gipsformen eingelassen, sodass nur der obere Rand des Abzugs sichtbar bleibt und eine Linie zwischen der entstehenden Form und dem programmierten Verschwinden von allem entsteht.
Deine Werke oszillieren zwischen Dokument und Artefakt. In Deiner Serie „Pompeji“ veränderst Du die Fotografie plastisch mit Gips. Was reizt Dich an dem Spiel zwischen dem Faktischen und Fiktiven?
Fotografie ist für mich von Natur aus Tatsache und Fiktion. Sie bietet die Möglichkeit, die Realität einzufangen und sich gleichzeitig jeder Repräsentation zu entziehen. In der Pompeji-Reihe wird dies durch Hinzufügen von Gips verfolgt, der zeitlich mit der Ruine zusammenhängt. Die Gipsabgüsse der Opfer von Pompeji haben mich dazu inspiriert, dieses Material in Bezug auf die Fotografie zu verwenden, um eine verschleierte Erinnerung hervorzurufen. Eine Erinnerung, in der sich das Sichtbare mit dem Unsichtbaren überlagert.
Die Ausstellung reflektiert die Wechselbeziehung zwischen Fotografie und Malerei. Wie würdest Du hier Deine Arbeit selbst einordnen?
Ich denke, dass hinter jedem Kunstwerk ein Konzept steht, das man durch materielle oder immaterielle Materialien verfolgen und formen möchte. Dies ist der Grund, warum verschiedene Techniken existieren. Wenn jemand eine Technik gegenüber der anderen bevorzugt, liegt dies daran, dass seine Sensibilität eher zu einem bestimmten Prozess neigt. Gleichzeitig gibt es kein Dogma, das besagt, dass diese Techniken getrennt bleiben müssen. In Bezug auf meine Arbeit würde ich sie nicht innerhalb oder zwischen bestimmte Techniken stellen, aber ich würde zumindest sagen, dass die Fotografie es mir bisher ermöglicht hat, bestimmte Konzepte mit oder ohne Einbeziehung anderer Materialien auszudrücken.
Welche Künstler*innen haben Deine Praxis bisher am stärksten geprägt?
Ich beschäftige mich in meiner Praxis mit der „Reise in den Osten“ in dem Sinne, dass jeder historischer Name als vorübergehender Anteil erscheinen kann. Daher gibt es weder einen großen noch einen kleinen Einfluss, aber alles ist ein Einfluss, der die Reise tief kennzeichnet.