5 Fragen an Anthony McCall
Die Installationen von Anthony McCall sehen aus wie Malereien aus Licht. In seinen Werken bricht er die Grenzen des Filmgenres auf und setzt auf die Beteiligung der Besucher*innen. In diesem Interview beantwortet der Künstler der Marta-Ausstellung „Trügerische Bilder“ fünf Fragen.
Du hast Deine Karriere als Experimentalfilmer begonnen. Woher kam schließlich die Idee, immersive Lichtinstallationen zu schaffen?
Als junger Künstler begann ich mit der Aufführung von skulpturalen Veranstaltungen im Freien, wie meinen Serien „Landscape for Fire“ und „Fire Cycle“ von 1972 bis 1974. Ich hatte das Bedürfnis, diese kurzlebigen Werke zu dokumentieren, und entschied mich dafür für den 16-mm-Film als vielversprechendstes Medium. Aber kurz nachdem ich einige solcher Aufnahmen gemacht hatte, zog es mich zu den Filmen von Michael Snow, Andy Warhol und anderen und ich begann über die Materialität des Mediums nachzudenken und Ideen für Filme zu entwickeln, bei denen es weniger um die Aufnahme von Live-Auftritten ging als um die Filmprojektion selbst als Live-Performance. Dieser Gedankengang führte zu dem ersten meiner „Solid-Light“-Filme, „Line Describing a Cone“ aus dem Jahr 1973, in dem das Publikum aufgefordert wurde, der Leinwand den Rücken zu zukehren und stattdessen den dreidimensionalen Lichtstrahl zu erkunden, der den Raum zwischen dem Projektor und der gegenüberliegenden Projektionswand erfüllte.
Am Anfang hast Du Deine filmischen Installationen in alten New Yorker Lofts gezeigt, in denen Staub und Rauch das Licht ‚sichtbar‘ machten. Was hat sich für Dich verändert, als Deine Werke in professionellen Ausstellungsräumen präsentiert wurden?
Die frühen „Solid-Light“-Filme wurden in alternativen öffentlichen Räumen in New York gezeigt, die junge Künstler*innen und Filmemacher*innen zu Beginn ihrer Karriere zeigten: Orte wie Artists Space, The Clocktower, The Idea Warehouse, Collective for Living Cinema, Millennium Film Workshop und andere. Was sie alle einte, waren raue Loft-/Lagerflächen der Jahrhundertwende, die sich architektonisch nicht so stark von den Lofts in Manhattan unterschieden und in denen Künstler*innen billige Atelierflächen zur Verfügung gestellt wurden. Als ich 1975 zur Teilnahme an einer großen Gruppenumfrage „New Media I“ im neuen Malmö Konsthall in Schweden eingeladen wurde, war ich erfreut, weil es meine erste Ausstellung in einem Museumsraum sein würde. Die Darstellung von „Line Describing a Cone“ war jedoch kein Erfolg. Der volumetrische Lichtkegel, der sich in der Vergangenheit immer materialisiert hatte, konnte sich nicht offenbaren. Damals wurde mir klar, dass es der Staub war, der in unseren alten Lofts in der Innenstadt immer zuverlässig vorhanden war, sowie der Rauch von Zigaretten, der das wesentliche Medium darstellte, das meine Filme sichtbar machte. In diesem neuen, makellosen Gebäude aus Beton und Glas lag kein Staub oder Rauch in der Luft, der die Sichtbarkeit der Lichtmembranen garantiert hätte. Der Film, der als dreidimensionale skulpturale Form konzipiert wurde, die langsam entstand, war einfach nicht zu sehen.
Nachdem Du Dich Ende der 1970er Jahre als praktizierender Künstler zurückgezogen hast, hast Du die Arbeit an Deinen „Solid-Light“-Filmen rund 20 Jahre später wieder aufgenommen. Wie kam es dazu?
Zwanzig Jahre später hatten sich viele Dinge geändert. In den 1970er Jahren wurden die „Solid-Light“-Filme als Teil einer avantgardistischen Kinotradition verstanden, eine Kategorie, die private Galerien und Museen selten zeigten. Aber Mitte der neunziger Jahre hatten sich die Dinge weiterentwickelt und die meisten privaten Galerien und öffentlichen Museen hatten begonnen, Bewegtbildarbeiten auszustellen. Vielleicht war der Schlüssel für mich in den neunziger Jahren die Erfindung der Dunstmaschine. Einer kleinen Black Box, die jeden abgedunkelten Ausstellungsraum, ob klein oder groß, mit einem dünnen Nebel füllte, der die Kegel, Klingen und Kammern meiner „Solid-Light“-Serie sichtbar machen konnte. Und als ich Anfang der 2000er Jahre wieder begann, der früheren Serie neue Arbeiten hinzuzufügen, wechselte ich von 16 mm zur digitalen Produktion. An der Decke montierte digitale Projektoren ermöglichten es mir, eine (noch laufende) Reihe vertikaler Arbeiten wie „You and I“ (2010) zu eröffnen, die hier in der Marta-Ausstellung installiert sind. Ich habe jetzt ungefähr 45 „Solid-Light“-Arbeiten abgeschlossen, von denen 15 vertikal ausgerichtet sind.
Welche Elemente Deiner Arbeit würdest Du als fotografisch, welche als malerisch bezeichnen?
Was auch immer sie sonst sind, jede dieser Arbeiten ist eine einfache Strichzeichnung, die auf die Wand (bei einem horizontalen Werk) oder auf den Boden (bei einem vertikalen Werk) projiziert wird. Dies findet in einem abgedunkelten Ausstellungsraum statt. Die Strichzeichnung verbindet sich mit dem Nebel in der Luft von der Dunstmaschine, um ein skulpturales Volumen im dreidimensionalen Raum zu erzeugen. Linie und Volumen verändern sich im Laufe der Zeit, sodass sich die Form langsam und kontinuierlich bewegt und der Projektion ihr filmisches Gesicht verleiht.
In Deinen immersiven Lichtinstallationen werden die Besucher*innen zum Teil des Werks. Welche Rolle spielt ihre Partizipation für Dich?
Einzelne Besucher*innen bevölkern und erkunden ein sich veränderndes kegelförmiges Volumen, unterbrechen die durchscheinenden Membranen mit Händen und Körpern und verhandeln miteinander über einen scheinbar „taktilen“ sozialen Raum.
One Reply to “5 Fragen an Anthony McCall”
Comments are closed.